Maurits Cornelis Escher, artista holandés del siglo XX conocido por la gran cantidad de grabados en madera, litografías y xilografías que abordan figuras inverosímiles, teselados y mundos ideales a través de la representación en 2 o 3 dimensiones.
articularte.com
Las obras de este artista han sido muy complicadas a la hora de clasificar el tipo de arte que englobaban, ya que no pretendía transmitir mensajes que surgían de sus sensaciones, emociones o sentimientos, sino que simplemente se centraba en representar aquellas cosas que le llamaban la atención como los juegos visuales, soluciones a determinados problemas, etc.
Las principales características que se plasmaban en sus obras eran la búsqueda del equilibrio, la existencia de la geometría, la predilección por los colores blanco y negro y la dualidad.
Desde
la antigüedad tanto la forma de representar el arte como la forma de concebirlo
han ido cambiando. Los diferentes recursos y los materiales empleados en la representación
de las obras artísticas también han variado, y junto a ellos los temas artísticos.
Debemos
señalar que junto con este cambio artístico también se ha desarrollado una transformación
en el trato del arte, dándole diversa importancia dependiendo de la época en la
que nos situemos.
De esta
manera podemos diferenciar cuatro modelos históricos relacionados con el arte
que aun en la actualidad siguen vigentes, y que trabajamos con cada uno de
ellos dependiendo del objetivo concreto que queramos alcanzar:
Taller del artista. Es un
método simple y eficaz basado en la experiencia. El encargado de enseñar las
nociones artísticas es un experto, que hace que los demás artistas aprendan a través
de la experiencia.
Academia. El encargado
de potenciar este modelo fue Giorgio Vasari, ya que implantó la primera
academia relacionada con el dibujo, en la que se enseñaban los métodos tradicionales
que estaban relacionados con las bellas artes. En esta academia el proceso de
aprendizaje esa desarrollado en relación al conocimiento científico y a la
perspectiva del juego como base y fundamentación de la pintura.
microrelatosenlaescuela.blogspot.com.es
La Bauhaus. Este
método está relacionado con el uso que se hace de los elementos del lenguaje
visual. La pintura pasa a centrarse en su propio concepto, en sí misma, y
abandona su relación con la representación. Se centra en el desarrollo del
punto, de la línea, etc.
El genio. Este
método se centra en el desarrollo personal de la creatividad. Para poder desarrollar
la creatividad no es necesario tener ningún tipo de conocimiento previo
respecto a ninguno de los temas que se traten. Los artistas se basan en las
continuas innovaciones y cambios en las obras, en las que predomina la riqueza
y la creatividad.
¿Alguna
vez nos hemos parado a pensar qué o cuáles con las cosas con las que sueñan los
niños de nuestra sociedad? Supongo que los valores que actualmente emergen en
nuestra sociedad influyen en cierta manera a los niños, por lo que serán los
mismos los que los niños vean como normales y querrán fomentar en su vida
adulta.
En la
sociedad que nos rodea no dejamos de ver políticos corruptos, crisis
económicas, huelgas, desahucios, hambre, robos, maltrato, discriminación,… ¿Son
los valores y principios que existen actualmente los que queremos transmitir a
nuestros hijos?
¿Qué
pasará cuando al desarrollar nuestra carrera de docentes un niño nos pregunte
porqué suceden estas cosas? ¿Cómo vamos a afrontar esta realidad de cara a los
centros escolares?
Está
claro que no podemos cambiar la realidad, y mucho menos impedir que los niños
tomen conciencia de estas cuestiones, pero si tenemos que ayudarlos a que
formen su propio camino, alejados de los aspectos negativos que nos rodean, y
evitando que caigan en algunas de las tentaciones que más suscitan hoy en día.
Imagina
que todo puede cambiar… y seguro que consigues que las cosas cambien.
Pequeños lugares que aportan una pizca de arte al mundo y
continúan con tradiciones centenarias evitando que desaparezcan, ya que así se perdería
parte de la esencia de estos lugares, los pueblos.
El arte de los pueblos es muy variado ya que son
diferentes las manifestaciones artísticas que existen en ellos, y pocas
personas, a no ser aquellas que viven en los pueblos, valoran este tipo de
arte, por verlo algo antiguo y aburrido; pero para las personas de los pueblos
esto es algo ancestral que se transmite de generación en generación dándole
riqueza y valor.
Se trata de un signo de identificación que todos llevamos
en la sangre y del cual nos sentimos orgullosos y nos gusta que otras personas
conozcan cuál es la naturaleza artística que llevamos dentro. Además es una
forma de conocer cuál ha sido nuestro pasado, poder vivirlo a través del
presente, y evitar que desaparezca en nuestro futuro.
Sin ir más lejos, comentaré cual es para mí, aquel arte
que forma parte de mi vida: la danza típica de mi pueblo, Santibañez de la
Sierra.
www. wikipedia.org
Las danzas de la Sierra de Francia consisten en “paleos” que
los mozos y las mozas ejecutan con palos al son de la gaita y el tamboril. Dependiendo
del pueblo tanto los bailes como los trajes serranos son distintos, pero la
belleza de esta manifestación artística es la misma en cada uno de ellos.
Para poder vivir este arte y colaborar en su representación
tiene que salirte de dentro el interés y la fuerza necesarios para potenciarlo
en la sociedad, te tiene que nacer el sentimiento de la danza, ya que forma
parte de tus antepasados, y ellos son una pieza fundamental de tu existencia. Por
ello, solamente si tienes el sentimiento de esta manifestación artística podrás
sentirla, y sobre todo vivirla.
Vincent Van Gogh. Seguro que son pocas las personas que
no han oído hablar de este pintor holandés del siglo XIX. Pero, ¿Por qué conocen
a este pintor? ¿Por sus cuadros?, o tal vez, ¿Por la historia de su oreja?
Estimando los resultados, el 20% de las personas aproximadamente
conocen a Van Gogh por sus obras a pesar de que fue un pintor que no tuvo mucho
éxito en la venta de sus obras, además de acarrear con problemas psiquiátricos y
continuos fracasos amorosos; mientras que el 80% de las personas conocen a Van
Gogh a través de la historia de su oreja. Pero, ¿Cuál es verdaderamente el
motivo por el que Van Gogh perdió su oreja?
Algunos historiadores dicen que Van Gogh tuvo una estrecha
amistad con el pintosrGauguin, el cual, en medio de una pelea le cortó el lóbulo
izquierdo. Pero el propio Gauguin, desmentía esta historia diciendo que fue Van Gogh el que le amenazó con una navaja y se auto mutiló.
Otros historiadores cuentan que tan estrecha era la relación
que ambos pintores mantenían, que llegó a convertirse en una relación sentimental,
en la que por amor, Van Gogh se cortó la oreja para regalársela a Gauguin.
Pero ¿Cómo un hombre que no tuvo éxito y fue tan
criticado por la sociedad de su época es tan conocido en la actualidad?, esto
es algo completamente complejo. Quizás una cosa tan simple como la idea de que
perdió su oreja, lo ha hecho tan conocido, haciendo incluso que grupos de música
hayan usado esta acción para nombrarse, añadiendo la gran
cantidad de obras que dejó al mundo, que afortunadamente han sido perfectamente
valoradas por la sociedad.
Pero con la historia de la oreja de Van Gogh, ¿Qué sacamos
en claro?
Desde mi punto de vista creo, que una simple acción, por
muy pequeña que sea siempre va a marcar tu vida. Ya bien sea una diminuta decisión
que tomes en tu vida, o la elección de un camino u otro, siempre va a ser algo
que llevemos cargado a nuestra espalda, y de lo que, a veces (espero que muy
pocas) podremos arrepentirnos, pero no podremos cambiar nuestra decisión.
Creo que es ahí, donde se encuentra la verdadera complejidad
de las cosas simples.
Tras la clase de Expresión Plástica de hoy en la que
hemos tratado las etapas gráfico-plásticas del niño el profesor nos ha
propuesto que analicemos diferentes dibujos y los categoricemos en base a la
etapa a la que corresponde. ¿Y por qué no?, es una buena forma de conocer mejor
la etapa gráfico-plástica en la que están los niños, y cómo y en que ideas se
centran más cuando dibujan en función de su edad.
crecerfeliz.es
Claramente vemos que esta imagen es un garabato realizado
por niños de dos a cuatro años que se encuentran en la etapa del garabateo. En esta
etapa los niños pasan por diferentes fases: de un dibujo sin control, donde no
existe intención; pasando por un dibujo controlado, donde establecen una relación
viso-motora; hasta llegar a un dibujo con nombre, donde se establece una relación
entre el grafismo y el entorno. En este caso, se trata de un garabato sin
control en la realización del dibujo ya que usan trazos impulsivos para dibujar
y desarrollan movimientos con todo el cuerpo.
arteinfantil.tripod.com
Este dibujo pertenece a la etapa esquemática propia de
los niños de siete a nueve años, en la que los niños ya tienen conciencia del
nosotros y de la acción. Los niños representan a todas las personas con el
mismo esquema, y usan el dibujo en línea, sobre todo se valen de las líneas
horizontales. Además relacionan los colores con los determinados objetos que
representan, como en el caso del sol, las nubes y el árbol.
macarena24.wordpress.com
Este dibujo hace referencia a la etapa pséudonaturalista
de niños de once a trece años. Esta etapa se caracteriza por la evolución hacia
el naturalismo, donde los niños se centran en el resultado final de su dibujo,
y se acercan a la idea de dibujos más realistas en los que desarrollan una
perfecta relación entre el color y el diseño de sus dibujos.
Tras la descripción de estos dibujos me ha surgido la
idea de que creemos que los niños dibujan lo que quieren o lo que los maestros
le piden en las aulas, pero tras sus dibujos existe algo más que una simple
idea, existe todo una base psicológica con la que podemos conocer mucho mejor
la psique de los niños y saber en qué etapa se encuentran y como es su evolución
gráfico-plástica.
El arte es “la manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa
una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con
recursos plásticos, lingüísticos o sonoros” (según la RAE).
Caminando por diferentes ciudades
siempre he observado con mucho interés las pintadas que hay en las paredes, los
muros y las fachadas, también conocidas como grafittis. Pero siempre me he
preguntado si las personas ven a los grafitteros como artistas sin un lugar
donde expresar y representar sus obras, o como vándalos que lo único que buscan
es destruir la belleza de las ciudades.
artistasenlaurbe.blogspot.com
Según la definición de la RAE, los
grafitteros deberían ser considerados artistas, pero la mayoría de las personas
consideran esta actividad como un acto de vandalismo callejero, ya que
estropean gran parte de la ciudad.
Yo siempre he creído que estas
personas son verdaderos artistas, que a través de los dibujos muestran su
estado de ánimo y sus quejas hacia la sociedad. Creo que lo único que necesitan
estas personas son lugares donde puedan exhibir su arte, donde puedan mostrar a
otras personas cuales son los temas que les inquietan, donde puedan dar rienda
suelta a su libertad de expresión.
Los grafitteros deben elegir sus
lugares para pintar, y limitarse a hacerlo en muros o paredes, dejando a un
lado las pintadas en las fachadas o en el metro, ya que, en estas ocasiones, sí
que están deteriorando la ciudad, y además con este comportamiento perjudican
al resto de las personas, que muchas veces tienen que intervenir en las
jornadas de limpieza de los grafittis de forma manual o monetaria.
teleobjetivo.org
Por ello, ¿Por qué no llegar a un
acuerdo en el que tanto la ciudad como los grafitteros se vean beneficiados sin
perjudicarse los unos a los otros?, ¿Por qué no intentamos entender cuáles son
los motivos por los que los grafitteros llevan a cabo sus pintadas antes de
juzgar su actividad?
Creo que entre todos debemos llegar
a una solución para evitar el deterioro de las ciudades, y para que los
gafitteros puedan desarrollar su arte y creatividad sin miedo a que venga un policía
y tengan que pagar elevadas multas por expresarse en lugares equivocados.
Si todos nos ponemos en la piel del
otro, quizás entenderemos mejor cuales son los motivos que llevan a estas
personas a pintar en determinados lugares, y cuáles las razones por las que las
personas piensan que esto es vandalismo callejero, en el caso contrario o, como
yo, un arte urbano.
tumblr.com
Lo claro de esta situación es que
por más opiniones que haya sobre este tema, siempre va a ser un debate sin fin.
Anexo un video que presenta muchas ideas sobre los grafittis y opiniones de los
propios grafitteros.
